Die künstlerisch-wissenschaftliche Arbeit im digitalen Raum und mit digitalen Mitteln birgt viele Potenziale, ist jedoch auch voraussetzungsvoll. Modellierung, als zentraler wissenschaftlicher Modus Operandi, wie auch quantitative Analyseverfahren, sind nicht per se auf digitale Mittel angewiesen. Ihre Potenziale, beispielsweise für die datengestützte Validierung von Modellen oder die flexible Auswertung umfangreicher Datenmengen, wie sie die digitale Korpusforschung kennzeichnet, werden jedoch erst durch den Computereinsatz umfassend erschließbar. Die umfassende Erschließung dieser Potenziale setzt somit die digitale Repräsentation der musiktheoretischen Untersuchungsgegenstände und damit deren Formalisierung voraus. Die Formalisierung musikalischer und musiktheoretischer Sachverhalte erweist sich dabei als anspruchsvoller Drahtseilakt zwischen unterkomplexer Homogenisierung und einer Detailtreue, die in Überkomplexität münden kann.
Der Beitrag fokussiert auf die zentrale Frage, wie dieser anspruchsvolle Drahtseilakt gelingen kann. Konkret wird erörtert, wie Entitäten musiktheoretischen Interesses – seien es harmonische Progressionen, Stimmführungsverläufe, Tonartendispositionen, dramaturgische Entwicklungen, satztechnische Modelle und Schemata, bis hin zu umfassenden Formanalysen symphonischer Werke – adäquat erfasst werden können. Dabei verfolgen wir das Ziel, individuelle Abweichungen von der Norm – das sprichwörtliche „Salz in der Suppe“ – nicht zu nivellieren, ihren interpretativen Kontext nicht durch eine rein tabellarische Erfassung zu verkürzen und die Abhängigkeit von proprietären Softwareformaten zu umgehen, welche die Nachnutzung aufwändig und sorgfältig kuratierter Forschungsdaten erheblich behindern.
Der Vortrag vergleicht mehrere Annotationstools, die je nach Anwendungsfeld unterschiedliche Meriten aufweisen und als Brückeninstrumente zwischen interpretativer Analyse (dem künstlerischen Aspekt) und datengestützter Forschung (dem wissenschaftlichen Aspekt) dienen können. Die untersuchten Anwendungsfälle lassen sich dabei drei grundlegenden Paradigmen zuordnen:

1. Die Bezeichnung einzelner Momente mittels eines geschlossenen Vokabulars oder einer Annotationssyntax.
2. Die Beschreibung von Zeitsegmenten und den Relationen zwischen ihnen.
3. Die Kodierung von Relationen zwischen einzelnen Noten und Notengruppen (wie beispielsweise in einem Schenkergraphen).

Anhand der vorgestellten Paradigmen, Softwaretools und einigen exemplarischen Datensätzen wird greifbar, wie moderne Annotationstools eine direkte und kontextualisierte Interaktion mit musikalischen Objekten samt flexiblem Umgang mit der zu kodierenden Information ermöglichen – und auf diese Weise neue Potenziale für die musiktheoretische Forschung an der Schnittstelle von Kunst und Wissenschaft erschließen.

Ci ist eine chinesische Poesiegattung, die ursprünglich gesungen vorgetragen wurde, im Laufe vieler Jahrhunderte jedoch zu einer rein literarischen Textform wurde. Dennoch lassen sich auch in der nun „musiklosen“ Dichtung starke Einflüsse erkennen, die auf ihren musikalischen Ursprung hindeuten: Jedes Ci folgt einer von über tausend vorgegebenen Strukturen, den sogenannten Cipai, in denen linguistische Töne, Pausen und Reimsilben strikt festgelegt sind. In der einflussreichen Gedichtsammlung Baishidaoren Gequ (1202) des Gelehrten Jiang Kui (1155-1221) aus der Song-Dynastie sind 17 Ci inklusive einer speziellen Musiknotation namens Suzipu überliefert. Diese Stücke zählen zu den frühesten erhaltenen Vertonungen chinesischer Liedtexte und erlauben somit wertvolle Rückschlüsse auf die historische Musikpraxis der Ci. Aufgrund der spärlichen Datenlage und einer mindestens 400-jährigen Überlieferungslücke ist die Suzipu-Notation jedoch mehrdeutig, was im Laufe der letzten drei Jahrhunderte zu unterschiedlichen Deutungen einzelner Notationssymbole geführt hat. In diesem Vortrag werden die musiktheoretischen Grundlagen der Ci-Tradition zur Zeit der Song-Dynastie kurz vorgestellt, einschließlich der verwendeten Tonsysteme, heptatonischen Modi, der neuesten Deutungen der Suzipu-Notation sowie der Beziehungen zwischen Musiknotation und Cipai. Anschließend wird dieses musik- und literaturtheoretische Wissen durch formale Regeln mathematisch modelliert. Vorgestellt wird ein computergestütztes, handgefertigtes Markov-Modell, in welchem diese Regeln durch die Einbeziehung statistischer Abhängigkeiten innerhalb der 17 Stücke, welche im digitalen KuiSCIMA-Korpus frei zugänglich sind, ergänzt werden. Trotz der geringen Zahl überlieferter Werke ermöglicht das Modell, unter Voraussetzung gut begründeter technischer Annahmen, die automatisierte Erzeugung stilgebundener Kompositionen für beliebige Cipai. Durch die Einbeziehung musiktheoretischer Regeln wird sichergestellt, dass jedes generierte Stück definierte formale Kriterien erfüllt, etwa hinsichtlich Modus, Kadenzverläufen, oder der strukturellen Beziehung zwischen den linguistischen Tönen im Cipai und den Melodiekonturen. Im Gegensatz zu neuronalen Netzen, welche als Black-Box-Modelle kaum Rückschlüsse auf interne Mechanismen erlauben, garantiert der Aufbau des vorgestellten Markov-Modells intuitive Interpretationen und ermöglicht als formales Modell auch den Einsatz in Szenarien computergestützter Musikanalyse.

Max Regers einziges musiktheoretisches Werk, seine „Beiträge zur Modulationslehre“ (1903), hat schon kurz nach seiner Erscheinung eine internationale Verbreitung gefunden. Dennoch ist die vorliegende Literatur, die sich mit Regers Klangbeispielen konkret auseinandersetzt, überschaubar. In meinem Vortrag setze ich an diesem Punkt an und versuche, mit digitalen Hilfsmitteln – insbesondere computergestützten Darstellungsmodellen – die kurzen Musikbeispiele Regers durch Visualisierung und klangliche Darstellung in einen aktuellen musiktheoretischen und anschaulichen Kontext zu bringen.

Reger greift in seinen Beispielen sehr häufig auf den Neapolitaner und die Moll-Subdominante zurück und überspringt somit bis zu fünf Vorzeichen im Quintenzirkel auf einmal. So steht bei einigen Modulationen die Frage im Raum, ob die Zuhörenden die einzelnen Schritte überhaupt wahrnehmen und nachvollziehen können. Hier, sowie bei vielen seiner Instrumentalwerke, kann ein befremdlicher Höreindruck oder fehlendes Verständnis für die von Reger erdachten Vorgänge auftreten.

In meinem Vortrag werden zwei Ansätze verfolgt, um dieses Phänomen zu erörtern. Zunächst werden die Notenbeispiele softwaregestützt visualisiert und anschließend klanglich aufbereitet. Durch die Nutzung von spezieller Software (OpenMusic, music21) lassen sich die Entfernungen der Tonarten (beispielsweise bei einer Modulation von C nach His) voneinander beschreiben und zum Beispiel mittels eines erweiterten Quintenzirkels veranschaulichen. Das heißt konkret, dass mit His-Dur eine andere – nicht nur enharmonisch verwechselte – Tonart als C-Dur erreicht wird; schließlich unterscheiden sich C-Dur und His-Dur aufgrund des pythagoreischen Kommas intonatorisch leicht voneinander. Anschließend lässt sich Regers Modulationslehre auch in höhere Ebenen weiterdenken (nach Fisis, Cisis, etc.). Um hierbei strukturelle Unterschiede zwischen Modulationen in zwei enharmonisch identischen Tonarten aufzuzeigen, wird auf statistische Erhebungsmethoden von Akkord- und Intervallfolgen zurückgegriffen. Regers Modulationen zwischen Dur und Moll sowie der enharmonisch verwechselten Tonarten werden verglichen und miteinander verwandte Bewegungsmuster aufgezeigt. Zuletzt soll die Modulation als psychoakustisches Hörerlebnis erfahrbar gemacht werden. In Kombination verschiedener Stimmungssysteme und Veränderung äußerer, kontextueller (beispielsweise zeitliche) Parameter, kann die Modulation als solche in einem neuen Zusammenhang hörbar gemacht werden. Schließlich können Regers Modelle anhand seiner eigenen Werke angewendet und abgeglichen werden. Da die individuelle Hörerfahrung und -erwartung sehr unterschiedlich ausgeprägt sein kann, will mein Ansatz eine Hilfestellung zu einem tieferen Zugang zu Regers Stücken sein.